安尼施·卡普爾為北京帶來震撼之紅，以35年的創作與當代中國對話

安尼施·卡普爾（Anish Kapoor）個展現場

“我想與當代的中國、中國的觀眾，和中國的藝術家進行對話，希望是一場有意義的對話。中國在某種程度上來說，已是世界上未來的大國。在這個語境下，有些人可能會說，在文化上，歐洲已經屬于過去了。”卡普爾在接受《藝術新聞/中文版》專訪時這樣說道，10月25日，英國藝術家安尼施·卡普爾（Anish Kapoor）在中國的首次美術館級個展在中央美術學院美術館開幕。

藝術家安尼施·卡普爾（Anish Kapoor）

《致心愛太陽的交響樂》《將成為奇特單細胞的截面體》《遠行》《我的紅色家鄉》四件巨型裝置作品分布在美術館的一、三、四層空間中，而包括《云門》（2004）、《軌道》（2010）、《南岸中心》（2001）、《地鐵站，蒙特圣安杰洛，那不勒斯》（1999-2002）以及今年十月在紐約展出的《倫納德街模型》等，其過去幾十年的藝術實踐中重要公共項目作品的模型在三樓展廳一一陳列，共同構成藝術家橫跨35年的重要藝術創作。本次呈現的作品經過他一一親自挑選，展覽的另一部分將于11月10日起在太廟展出。

今年十月在紐約展出的《倫納德街模型》，圖片來源：TANC

卡普爾的“非物質”之紅

進入展廳，三個大型傳送帶緩緩地將大塊的紅蠟運至高處，當蠟與紅色混合，其生命體特征就被加強，在即將到達中央紅色圓形（代表作懸浮著的巨大紅色太陽）的瞬間，卻掉落到美術館的地板上，觀眾面對著面前堆積的破碎的一片血紅，現場傳達出的震撼是不言自明的。

《獻給親愛太陽的交響曲》，2013

“這么多年來，我用了很多很多紅色??正如我曾說過的，我真正的興趣是‘非物質’ （non-objects）所指涉內部的含義。我之所以一直重復使用紅色，顯然而見，我們的身體內部也充滿了紅。我所保存的數百件作品，當中大部分都是紅色的。當然，這是個非常有趣的重疊，剛巧中國文化中所常使用紅色以及其象征意義。”卡普爾對《藝術新聞/中文版》說。2013年，這件作品曾在柏林的馬丁-格羅皮烏斯（Martin-Gropius-Bau）博物館展出。

《將成為奇特單細胞的截面體》展覽現場，圖片來源：TANC

與軀體的關聯，同樣可以從《將成為奇特單細胞的截面體》中感受到。2015年該作品在卡普爾于法國凡爾賽宮的個人展覽中展出。本次“大約七米高的立方體作品，主要是為了營造規模感。”如卡普爾所說，“這些作品某種程度上要求觀眾參與；但其實也不需要觀眾做些什么，而是更多地用身體參與其中。我認為更重要的是，這些作品當然需要引人注目，但所給予的感覺不應該是娛樂，而是有種嚴肅的意圖。”

《將成為奇特單細胞的截面體》內部，圖片來源：TANC

觀眾除了可以從不同角度感受到這件頗有力量的作品是如果探索著內部與外部之間的關系，更可以通過側面隱蔽的門進入作品內部，看到內部如肌肉組織般的生物形態設計，由亮麗孔洞組成的網，生成了關于軀體、存在與信仰的強烈隱喻。這與原始宗教中人類對特殊自然物的有靈想象和神性賦予，即“物”的崇拜有著某種相似的聯系，這些“物”也構成了從物質到精神的延伸管道。

《遠行》，2017

《我的紅色家鄉》《遠行》兩件作品似乎暗示、回望了藝術家的出身及一路創作的歷程，前者創作于2003年，機器帶動一條金屬臂沿著裝有25噸紅色軟質蠟的開口容器的表面轉動緩慢攪拌著材料的同時也在不斷塑造蠟的形狀，推擠至邊緣的部分反復形成奇特景觀，在消除觀眾對形體影響的同時也將其指引到材料中來。后者則只在2017年于阿根廷紀念公園展出過，一輛涂滿湛藍顏色的挖掘機爬伏在上百噸紅色泥土上，展廳原本格局將沃土分割為三個部分，觀眾無法一眼望到盡頭，卻又產生著無限的聯想。這些材料的運用正是為了展示材料的特征與狀態，也承載著與建筑相關的內涵。

《我的紅色家鄉》，2003

“你知道，我是一個印度人，我已經在這里（英國）工作了40年。從某種程度上說，我的工作，就和當代所有藝術家一樣，無論你身在何處，都無法避免去參與這場國際性的對話。藝術家的工作地點已經不重要了，現在已經是一個全球交流的年代。我認為這是非常重要的。”卡普爾1954年出生于印度孟買，從上個世紀 70 年代開始，一直主要創作活動于倫敦，從早期的彩色粉末（靈感來自于印度市場和寺廟里常出現的彩色粉末推出的小丘）、石頭材質到后期的金屬材料，他的作品常常蘊含著某種東方世界觀念，同時又受到西方極少主義的影響，這些顛覆人們視覺習慣的藝術品，又發掘出新的觀看視角，引起觀者對自我和所處環境的思考。

延伸的空間，從“山脊”到“馬爾敘阿斯”

《將成為奇特單細胞的截面體》的模型，2015，圖片來源：TANC

如果觀眾從《將成為奇特單細胞的截面體》作品中走出，直對著的就是這件作品的模型，物的放大，對應的是人的縮小，猶如進入夢境，不同體量的對比讓人進一步體會到作品的力度。

《山脊》，1981年，圖片來源：TANC

《肉體》，2002年，圖片來源：TANC

《大地影院》，1995年，圖片來源：TANC

《吻橋》，2004-2005年，圖片來源：TANC

在其不遠處，是本次展覽中年代最早的作品，創作于1981年的《山脊》。可以看到，卡普爾從創作初期，即進行著從仿生結構中獲得形體的探索，通過表面積的擴張，變化著建筑空間的轉換。隧道和充氣的方式在他不同時期的作品中反復呈現，或延伸或膨脹著空間。如《虛空景觀（裂隙）》（1991）《大地影院》（1995）《肉體》（2002）《吻橋》（2004-2005）《雙球體（立方）》（2014）等。

《瑪爾敘阿斯》2001-2002，圖片來源：TANC

《致敬瑪爾敘阿斯》2001-2002，圖片來源：TANC

《致敬瑪爾敘阿斯》2001-2002，圖片來源：TANC

值得一提的是，多件以“瑪爾敘阿斯”命名的作品在展覽中出現。這個名字源自古希臘神話，講述的是半羊人瑪爾敘阿斯因吹笛技藝高超而被人們傳頌，便向擅長豎琴的音樂之神阿波羅發出比賽挑戰。最終卻因向權威的質疑付出生命代價，被剝皮至死。安尼施·卡普爾用了抽象的形式重塑了這個故事，酷似喇叭的巨大的抽象雕塑曾被懸掛在泰特現代美術館渦輪大廳中，中空的結構包含了多重象征，如瑪爾敘阿斯的皮膚，如他吹奏的笛子，又如血管、耳蝸等器官的造型，深紅顏色的雕塑兩端開口卻空洞而黑暗，如同某種力量拉扯著肢體，發出雖無聲卻如呻吟般哀怨的音樂。參觀者無法站在任何一個方向看清整個雕塑，只能通過一連串離散的感官去感受。

2002年10月在泰特現代美術館渦輪大廳中展出的《瑪爾敘阿斯》，圖片來源：TATE

在太廟將遇見“非物質”不銹鋼作品

《天空花園》（2013），圖片來源：TANC

《千禧穹頂項目》（1998），圖片來源：TANC

在本次展覽中，卡普爾近年來為人所熟知的大型金屬材料作品并未出現，僅在公共項目作品的模型中可略見一二，如《千禧穹頂項目》（1998）、《云門》（2001-2004）、《天空花園》（2013）等。他告訴《藝術新聞/中文版》太廟建筑內的主殿和兩旁的配殿，都是古老的建筑，擁有著悠久而獨特的歷史，因此：“在太廟一個較小型的配殿，將會展示一些我于早期70年代末到80年代初創作的顏料作品。而在主殿中的一系列不銹鋼作品，是我多年以來一直在創作的作品系列，大部分被稱為‘非物質’。這些作品經過精工磨亮，以特定的方式制造；‘非物質’的意義，就如這些鏡面中所呈現出超越物質的空間。然后，在第三座配殿里，是一組名為‘天使’的作品。我把這一系列的石頭涂成藍色，這個空間只放這一件作品。因此，在太廟的展場里，都是這些‘非物質’的作品。”

《廢除奴隸制帳篷》，2015年，圖片來源：TANC

《尾亭》，2005年，圖片來源：TANC

“展覽當中的信息很復雜，包含了幾個層面：首先中國就像是我原來的國家（印度），同樣是一個人口非常多的國家；第二，中國是一個擁有悠久歷史和文化的國家。在中國辦一個展覽，理所當然地要參與所有這些。”卡普爾說，“歷史也包括過去中國70年的變化，以及當下所采用的經濟模式。因此，一方面，是整體歷史的政治性問題；另一方面則是相當重要的、在各類藝術形式中的文化歷史，從音樂到戲劇，到繪畫和雕塑。此外還有當代藝術的發展，中國藝術家在世界非常活躍。”

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